青空剧场版
主演：川上伦子,久川绫,绿川光,西村千奈美,井上喜久子,神奈延年,冬马由美,今野宏美,永岛由子,潘惠子,Michio Nakao,Aki Sasaki,Kanako Tateno,Sayaka Maeno
简介：" 作者:酱牛腱/anitama 封面来源:《明日之丈》 ——桑原监督您好，昨天的直播辛苦您了。今天的采访也请您多多关照。 桑原请多关照。 ——可能会有读者没有观看昨晚的直播（录像链接），先麻烦您重新做一下自我介绍。 桑原大家好，我是在日本以动画演出为业的桑原智，担任包括tv、ova、剧场在内的动画演出。同时我也在大学以教员身份任职，主要就动画演出给学生们授课。 ——您昨天在anitama面向中国观众进行了直播，应该也是您首次有这种经验，不知您有怎样的感想？ 桑原原本说好一个半小时的直播最后让我任性地延到两个小时，给工作人员添了麻烦。不过后半整整一个小时，我获得和观看直播的观众们进行互动的机会，这让我觉得既高兴又新鲜。这是因为我们知道，动画这个媒体是一条“单行道”。我们做的东西观众看，但我们创作方就算有时会去网上看帖，基本上还是很难有机会去直接聆听观众们的反应。所以昨天的直播，能够让我直接去接收观众们对于我的发言和我制作的作品所产生的疑问和意见，对我而言也是一段非常珍贵的时光，我很开心。 ——昨天直播时间有限，很多观众在弹幕中提出的问题没来得及回答。最后主持人也提示观众们可以去app的直播贴中留言，今天查看发现还真收到了很多问题，所以想请在访谈中请您回答其中的一部分。第一个问题和您的老师出崎统监督也有点关系，您对于所谓的“过剩演出”是怎么想的？我们知道有时候会看见一些感想说出崎演出很夸张很老式。 桑原会有这种意见我首先是能够理解的。说一个未必表述很准确的说法，现在的动画主流演出在某种程度上会尽量地去趋近实拍。这里的趋近实拍可以是指时间和节奏、指动作，当然还有运镜。现在的动画可能会避免出现非常扭曲的透视，也不再使用普通真人片基本不会用的超望远镜头。也就是说现在的主流是以这种相对“老实”的做法来抓住观众，我觉得这当然没有什么问题。但我喜欢出崎监督的演出，是因为我觉得有些事情，有演出手法是只有动画能做到的。那我作为一个动画演出该不该用这些手法？我个人观点觉得肯定是要用。那么你说这些专门为动画所准备的演出是不是过剩？我不否认，但是同样不能否认的是，这些演出都是只有在动画里才能做到的手法。常看动画的人肯定都知道，和动画相比起来，有些剧情可能放在实拍里感觉看着就很尴尬，或者很假，但是这些有点“过”的剧情一放进动画就感觉还行，会更容易被接受，这是媒介的区别造成的。当然我们制作动画时可以从手法上放弃这些所谓过剩的部分，但我觉得与其放弃，为什么不去思考哪些部分是动画能做且只有动画能做的？为什么不去把这些部分给活用起来？而领先一步进行这些思考，确立下诸多技法的，正是出崎监督立下的赫赫功绩。另外我想大家也能够感受到，出崎监督的过剩演出令人印象非常深刻，能够留在观众的心里。我觉得影像这种媒体，如果画面没法给人留下印象，那剩下的就只有单纯的时间流动。而所谓的创作者，是希望自己制作的东西能够留在观众和读者的心里的，所以我想这肯定也是出崎监督的目的。当然，这只是我擅自分析出崎监督的思路。说不定问他本人的话他会说“别扯了啊笨蛋”（笑）。 然后我想起一句出崎监督直接对我讲的话，“桑原啊，我们干的是做片让人看的买卖，所以我们必须得真诚。”这句话我一直记到现在，心中一直在思考在分析。我们通过演出让观众高兴，让观众悲伤，这是一种去诱导去操作他人感情的工作，责任重大，我肯定不能随便乱来。我觉得出崎监督的言下之意就是，如果这方面的思想不端正，那是成不了好演出的。我给你讲讲我所认识的出崎监督，他其实非常有强迫症。在他晚年的时候，动画制作从胶片转成数字，可以在剪辑阶段对画面进行修改和操作。出崎监督如获至宝，他作品每集都要拖到最后一刻，一直在那修。这可不是单纯地修错误改问题，而是为了提升画面的美感和说服力。他一直在思考要怎么下手改才能产生自己想要的效果。当时他已经七十多了，每次交货日直到最后还一直泡在影像剪辑室里，一泡就是熬夜八个小时。一把年纪的老人家，能量实在不可估量。而我作为徒弟，也很受到他这种坚持到最后一刻精神的激励，于是导致现在我也被别人说强迫症（笑）。 ——按您所说，出崎监督会亲自参加到摄影剪辑中去，这在老一辈的监督中算是比较普遍的吗？ 桑原先说好这是我的个人意见，出崎监督在日本动画的演出中，或许是第一个去思考如何在动画中导入电影式的呈现手法的。当然，有很多出崎监督的前辈和同辈一直有在使用电影手法。但是在影像美学上走得那么尖锐，那么突出，把动画当成电影拍的人真的极少极少。出崎监督就是这极少的人中的一位。而为了达到这个效果，必须要在摄影阶段动手。说来这也是我们做演出的很容易忽视的一点。你知道动画的流程很长，脚本、分镜、作画、上色、摄影。演出很容易犯这样的错误，脚本开始都管得很细，一直管到作画。作画完成，ok我们已经努力过了，收工，这个想法绝对有问题。观众看到的动画成品，肯定依赖于制作流程最后的输出，最后的环节才是最重要的。作画你盯得再紧，如果在最后的输入环节搞砸，之前的努力岂不都白费了？所以出于这个目的，出崎监督就会要求自己一定要管到最后，管到观众所看到的成品为止。他有时候自己动手，有时候则和摄影负责人开很细的会议，提很高的要求。还有一点，就是出崎监督一直在追求新事物。我以前也经常和他开会，他是个印象先行的人，他完全不跟我们讲具体的做法。他对我说“这里要这样这样，那个要那样那样，桑原君明白没？”我说明白，但我明白的是他要的效果，而不是该怎么做。他的意思是让我自己想做法，让我去思考怎么实现他要的效果。他把他的印象告诉我，看我怎么去做，怎么去趋近他的印象。所以我就去反复尝试，在演出处理上绞尽脑汁，去拜托摄影，拜托美术，总之在各种方面努力出创意，来改变最终的画面。而这个过程对我的演出能力产生了极大的锻炼。 ——说来出崎监督常用的harmony手法，想来用不用harmony应该是在分镜阶段就定好了。之后是否就原动画画完后就直接让背景美术那边去上色？ 桑原先讲一下harmony。广义上的这类手法在出崎监督之前或许就已经存在，但是所谓的出崎harmony手法还真就是出崎监督独自创造并被使用至今的。这个效果就是把那个瞬间烙在观众的心底。这其中的原理并不难，一张和之前的平涂画风完全不同的画忽然出现，还停留了一段时间，必然会给观众留下印象。正如你说的，这是在分镜阶段就已经计划好了，用不用harmony，用几张，每张几秒。计划好后，其实不止上色流程有别，作画时同样也会按照harmony去画，和普通作画有所不同。比如线条会有意更加粗犷一些，也会用笔触来画阴影效果。然后上色有两种情况，一种是交给背景美术，美术用画纸或是电脑来上色。另一种是按正常的流程交给上色，涂完彩色后让摄影或是特效来后期处理。 ——harmony一般是用一张画来凝缩一瞬间，然而为什么会感觉那一瞬间如此漫长？ 桑原确实出崎harmony即使在片中所用的秒数不多，却能给观众留下深刻的印象。除了之前提到的画风变化外，还有一个很基础的影像魔术。这里面有一个对比，前一个镜头还在动的东西忽然停下，观众就会觉得这停止的时间被拉长。这是一个心理上的错觉，原本在动的画面，观众对于画面会有一个持续的心理预期：这画面之后还会继续动。然而harmony是一张静画一直不动，观众对于动的预期得不到满足，这其中的焦躁就会让人的体感时间变长，觉得等那么久了怎么还不动。所以出崎监督利用这种错觉的效果，把作品中的一个瞬间深深烙印到观众的心中，使用这一瞬间中角色的表情来反映角色的内心世界。正如我昨天直播所说的，这就是演出的目的。 当然，harmony并不止这一个效果，还有很多用法，比如有时候也可以用来改变作品的“流速”。我们在演出时，场景和场景间的过渡衔接是需要非常小心的，这也是我现在都觉得最难把控的。在绘制分镜时会需要体现一种影像的“流”，镜头和镜头的连续构成了这个流动。一个场景中的前后镜头往往有较为连续的关系，但是镜头间的衔接依然很难。那么连续性相对较弱的场景衔接只会更难。我们都知道黑泽明的场景切换有一种很著名的动静结合，前一个场景啪啪啪动，后一个忽然就固定镜头。从这个意义上说，出崎监督的harmony也起到衔接场景的效果。用harmony啪一下切断前一个场景，会更方便顺畅地衔接到后一个场景。我们刚才提到观众有心理预期，你一下停了，观众就想，这怎么停了，接下来会怎样啊？观众的期待在harmony期间得不到满足，将会越积越高。在这个高期待值的状态下进下一个场景，能够使得观众的沉浸度增加，这也就是通过harmony对观众心理进行诱导的演出手法。 （未完待续） " 本文仅供anitama发表，任何单位或个人，不得以任何形式刊载本文的部分或全部内容。 官方网站：https://www.anitama.cn 官方微博：@animetamashii 微信公众号：anitama0815 合作邮箱：bd@anitama.cn 原文: m.anitama.cn/article/590db1e2ca7a131a?utm_source=toutiao
简介：" 作者:酱牛腱/anitama 封面来源:《明日之丈》 ——桑原监督您好，昨天的直播辛苦您了。今天的采访也请您多多关照。 桑原请多关照。 ——可能会有读者没有观看昨晚的直播（录像链接），先麻烦您重新做一下自我介绍。 桑原大家好，我是在日本以动画演出为业的桑原智，担任包括tv、ova、剧场在内的动画演出。同时我也在大学以教员身份任职，主要就动画演出给学生们授课。 ——您昨天在anitama面向中国观众进行了直播，应该也是您首次有这种经验，不知您有怎样的感想？ 桑原原本说好一个半小时的直播最后让我任性地延到两个小时，给工作人员添了麻烦。不过后半整整一个小时，我获得和观看直播的观众们进行互动的机会，这让我觉得既高兴又新鲜。这是因为我们知道，动画这个媒体是一条“单行道”。我们做的东西观众看，但我们创作方就算有时会去网上看帖，基本上还是很难有机会去直接聆听观众们的反应。所以昨天的直播，能够让我直接去接收观众们对于我的发言和我制作的作品所产生的疑问和意见，对我而言也是一段非常珍贵的时光，我很开心。 ——昨天直播时间有限，很多观众在弹幕中提出的问题没来得及回答。最后主持人也提示观众们可以去app的直播贴中留言，今天查看发现还真收到了很多问题，所以想请在访谈中请您回答其中的一部分。第一个问题和您的老师出崎统监督也有点关系，您对于所谓的“过剩演出”是怎么想的？我们知道有时候会看见一些感想说出崎演出很夸张很老式。 桑原会有这种意见我首先是能够理解的。说一个未必表述很准确的说法，现在的动画主流演出在某种程度上会尽量地去趋近实拍。这里的趋近实拍可以是指时间和节奏、指动作，当然还有运镜。现在的动画可能会避免出现非常扭曲的透视，也不再使用普通真人片基本不会用的超望远镜头。也就是说现在的主流是以这种相对“老实”的做法来抓住观众，我觉得这当然没有什么问题。但我喜欢出崎监督的演出，是因为我觉得有些事情，有演出手法是只有动画能做到的。那我作为一个动画演出该不该用这些手法？我个人观点觉得肯定是要用。那么你说这些专门为动画所准备的演出是不是过剩？我不否认，但是同样不能否认的是，这些演出都是只有在动画里才能做到的手法。常看动画的人肯定都知道，和动画相比起来，有些剧情可能放在实拍里感觉看着就很尴尬，或者很假，但是这些有点“过”的剧情一放进动画就感觉还行，会更容易被接受，这是媒介的区别造成的。当然我们制作动画时可以从手法上放弃这些所谓过剩的部分，但我觉得与其放弃，为什么不去思考哪些部分是动画能做且只有动画能做的？为什么不去把这些部分给活用起来？而领先一步进行这些思考，确立下诸多技法的，正是出崎监督立下的赫赫功绩。另外我想大家也能够感受到，出崎监督的过剩演出令人印象非常深刻，能够留在观众的心里。我觉得影像这种媒体，如果画面没法给人留下印象，那剩下的就只有单纯的时间流动。而所谓的创作者，是希望自己制作的东西能够留在观众和读者的心里的，所以我想这肯定也是出崎监督的目的。当然，这只是我擅自分析出崎监督的思路。说不定问他本人的话他会说“别扯了啊笨蛋”（笑）。 然后我想起一句出崎监督直接对我讲的话，“桑原啊，我们干的是做片让人看的买卖，所以我们必须得真诚。”这句话我一直记到现在，心中一直在思考在分析。我们通过演出让观众高兴，让观众悲伤，这是一种去诱导去操作他人感情的工作，责任重大，我肯定不能随便乱来。我觉得出崎监督的言下之意就是，如果这方面的思想不端正，那是成不了好演出的。我给你讲讲我所认识的出崎监督，他其实非常有强迫症。在他晚年的时候，动画制作从胶片转成数字，可以在剪辑阶段对画面进行修改和操作。出崎监督如获至宝，他作品每集都要拖到最后一刻，一直在那修。这可不是单纯地修错误改问题，而是为了提升画面的美感和说服力。他一直在思考要怎么下手改才能产生自己想要的效果。当时他已经七十多了，每次交货日直到最后还一直泡在影像剪辑室里，一泡就是熬夜八个小时。一把年纪的老人家，能量实在不可估量。而我作为徒弟，也很受到他这种坚持到最后一刻精神的激励，于是导致现在我也被别人说强迫症（笑）。 ——按您所说，出崎监督会亲自参加到摄影剪辑中去，这在老一辈的监督中算是比较普遍的吗？ 桑原先说好这是我的个人意见，出崎监督在日本动画的演出中，或许是第一个去思考如何在动画中导入电影式的呈现手法的。当然，有很多出崎监督的前辈和同辈一直有在使用电影手法。但是在影像美学上走得那么尖锐，那么突出，把动画当成电影拍的人真的极少极少。出崎监督就是这极少的人中的一位。而为了达到这个效果，必须要在摄影阶段动手。说来这也是我们做演出的很容易忽视的一点。你知道动画的流程很长，脚本、分镜、作画、上色、摄影。演出很容易犯这样的错误，脚本开始都管得很细，一直管到作画。作画完成，ok我们已经努力过了，收工，这个想法绝对有问题。观众看到的动画成品，肯定依赖于制作流程最后的输出，最后的环节才是最重要的。作画你盯得再紧，如果在最后的输入环节搞砸，之前的努力岂不都白费了？所以出于这个目的，出崎监督就会要求自己一定要管到最后，管到观众所看到的成品为止。他有时候自己动手，有时候则和摄影负责人开很细的会议，提很高的要求。还有一点，就是出崎监督一直在追求新事物。我以前也经常和他开会，他是个印象先行的人，他完全不跟我们讲具体的做法。他对我说“这里要这样这样，那个要那样那样，桑原君明白没？”我说明白，但我明白的是他要的效果，而不是该怎么做。他的意思是让我自己想做法，让我去思考怎么实现他要的效果。他把他的印象告诉我，看我怎么去做，怎么去趋近他的印象。所以我就去反复尝试，在演出处理上绞尽脑汁，去拜托摄影，拜托美术，总之在各种方面努力出创意，来改变最终的画面。而这个过程对我的演出能力产生了极大的锻炼。 ——说来出崎监督常用的harmony手法，想来用不用harmony应该是在分镜阶段就定好了。之后是否就原动画画完后就直接让背景美术那边去上色？ 桑原先讲一下harmony。广义上的这类手法在出崎监督之前或许就已经存在，但是所谓的出崎harmony手法还真就是出崎监督独自创造并被使用至今的。这个效果就是把那个瞬间烙在观众的心底。这其中的原理并不难，一张和之前的平涂画风完全不同的画忽然出现，还停留了一段时间，必然会给观众留下印象。正如你说的，这是在分镜阶段就已经计划好了，用不用harmony，用几张，每张几秒。计划好后，其实不止上色流程有别，作画时同样也会按照harmony去画，和普通作画有所不同。比如线条会有意更加粗犷一些，也会用笔触来画阴影效果。然后上色有两种情况，一种是交给背景美术，美术用画纸或是电脑来上色。另一种是按正常的流程交给上色，涂完彩色后让摄影或是特效来后期处理。 ——harmony一般是用一张画来凝缩一瞬间，然而为什么会感觉那一瞬间如此漫长？ 桑原确实出崎harmony即使在片中所用的秒数不多，却能给观众留下深刻的印象。除了之前提到的画风变化外，还有一个很基础的影像魔术。这里面有一个对比，前一个镜头还在动的东西忽然停下，观众就会觉得这停止的时间被拉长。这是一个心理上的错觉，原本在动的画面，观众对于画面会有一个持续的心理预期：这画面之后还会继续动。然而harmony是一张静画一直不动，观众对于动的预期得不到满足，这其中的焦躁就会让人的体感时间变长，觉得等那么久了怎么还不动。所以出崎监督利用这种错觉的效果，把作品中的一个瞬间深深烙印到观众的心中，使用这一瞬间中角色的表情来反映角色的内心世界。正如我昨天直播所说的，这就是演出的目的。 当然，harmony并不止这一个效果，还有很多用法，比如有时候也可以用来改变作品的“流速”。我们在演出时，场景和场景间的过渡衔接是需要非常小心的，这也是我现在都觉得最难把控的。在绘制分镜时会需要体现一种影像的“流”，镜头和镜头的连续构成了这个流动。一个场景中的前后镜头往往有较为连续的关系，但是镜头间的衔接依然很难。那么连续性相对较弱的场景衔接只会更难。我们都知道黑泽明的场景切换有一种很著名的动静结合，前一个场景啪啪啪动，后一个忽然就固定镜头。从这个意义上说，出崎监督的harmony也起到衔接场景的效果。用harmony啪一下切断前一个场景，会更方便顺畅地衔接到后一个场景。我们刚才提到观众有心理预期，你一下停了，观众就想，这怎么停了，接下来会怎样啊？观众的期待在harmony期间得不到满足，将会越积越高。在这个高期待值的状态下进下一个场景，能够使得观众的沉浸度增加，这也就是通过harmony对观众心理进行诱导的演出手法。 （未完待续） " 本文仅供anitama发表，任何单位或个人，不得以任何形式刊载本文的部分或全部内容。 官方网站：https://www.anitama.cn 官方微博：@animetamashii 微信公众号：anitama0815 合作邮箱：bd@anitama.cn 原文: m.anitama.cn/article/590db1e2ca7a131a?utm_source=toutiao
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