《雕刻时光》是一部前苏联导演安德烈·塔可夫斯基的纪录片。在《雕刻时光》里，他记录了自己对于电影的创作灵感、工作方法以及思想内涵。“倘若我们能将《雕刻时光》浓缩成一则单一的讯息，那么，它必然是：对任何艺术家和艺术形式而言，内涵与良知都应先于技巧。”《洛杉矶时报》对它这样评论道。

安德烈·塔可夫斯基的电影所呈现的诗电影与时间的严谨带给观众们强烈的震撼。他对于场面的精心调度和拍摄技术的娴熟使用，不仅精准简洁地表达人物关系、推动情节发展，也完整营造了一种真实的艺术表达。

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艺术大师的人生步履

《文教资料》对他的评论："安德烈·塔可夫斯基以其内省的气质以及深厚的文化底蕴开创了一个独特的富有生命力的艺术世界。"塔可夫斯基的毕业短片《伊万的童年》艺术创作中，阐述了对导演以自身的情感理念塑造出编剧、诗与戏剧、场面调度、思想记忆、梦境表达、演员选择与塑造等艺术技巧。但在拍摄电影《伊万的童年》中，导演又像极了"感受派"。注重对原作的情感分析与自我理解，在摸索尝试创新征象中，通过电影实现自我艺术情感的表达。

塔可夫斯基的一生充斥着对于艺术之美的渴求。在艺术领域，他能够自然孕育所谓的"艺术主题"，并通过对艺术真理的感悟，创造出一部伟大的作品。电影首先应该描述的是事件，而不是作者的态度。塔可夫斯基通过这种方式，并不是将自己对于电影的看法强制推销给观众，而是希望通过他的作品，能够给予观众自身的见解与感受。在塔可夫斯基的人生中，他认为电影的极致是纪实顺序。是一种超越拍片技巧的，重新构建创造生命的方式。这一手法，也注定了时间在电影创作中重要性。

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英格玛·伯格曼曾说："他的电影宛如一个奇迹，他创造了崭新的、忠于电影本性的语言，捕捉生命如镜像、如同梦境。他并不诠释什么，他只是一个观察家，但他却让他的影像活动达到出神入化的境界。"在表达艺术家与观众的关系时，塔可夫斯基认为，两者的关系反应了群众对艺术的主观兴趣。在明确电影所要表达的东西时，从内在了解影片，感受其反映的世界，表现生命的本身。

在对艺术的追求上，他是严谨而不失创造力的。注重从社会现实出发的他，从人生经历中迸发灵感，并在拍摄的过程中不断发掘新要素。他不以创造出符合观众审美水平的、具有市场商业性的电影为目的，而是更加遵从于他的内心，以他自己对于艺术的第一与直观感受，操纵者自己指引着团队，完成一部又一部的经典之作。

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对于电影影像的剖析

电影影像最有力的决定要素是节奏，是呈现于画面之内的时间。"蒙太奇"手法是电影剪辑中较为常见的一种方式。但在塔可夫斯基眼中，"蒙太奇"的剪辑手法与电影的本质是有出入的，他对电影中时间的界定是十分热衷的。剪辑是一个固定的模式，而贯穿镜头的独特时间创造了影片的节奏。时间，决定了特殊的剪接原则，当时间超越了银幕中的事件，它便完成了自己的意义，被观众所察觉。剪接的手法干扰了时间的流程，却又赋予了它一些新的东西。

在维持灵感的原貌和纯度上，剧本和拍摄脚本起到了一定的作用。塔可夫斯基通过影片《镜子》的创作过程，阐述了剧本对于作品的相关意义。剧本作为电影拍摄有效的工作基础，在拍摄现场起到了计划性的作用，但依赖于现场的随机创造性在塔可夫斯基的眼中，也是可塑的、具有挑战性的。在他的眼中，剧本是一个脆弱、有生命、不停改变的结构，作为开始探索的基础，并不是最终的固定设定，在更改之下，一部电影一切工作结束时，剧本的任务才算圆满完成。

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摄影师在完整的电影构架中，也是极为重要的存在。整个作品的画面风格与拍摄技巧，也是导演与摄影师需要详细沟通的地方。而一部电影图像的呈现，色彩是一大难题。塔可夫斯基认为，影片中的色彩不应该倾注过多的导演与摄影师的主观色彩，而是应该以一种中性化的视角，通过色彩的合理运用，对观众产生视觉冲击。

一位好的演员，可以将角色演活。角色由导演来塑造，协助演员进入角色。而演员则需要根据角色的设定投入到自由的精神状态中，以个人化的形式展示一种不容欺瞒的、真实的心理状态。

音乐是影片中不可缺少的一种情感基调。在加强视觉影像的印象之外，它还具有开拓新元素的可能。音乐，也可以视为是对影片视觉材料的加固，对观众情绪特定方向的推动。音乐与视觉影像并不是附属关系，它作为独立个体体现了一个整体观念。正确合理的、符合电影情节设定的音乐，在电影与观众的共鸣中，体现出其价值的音乐性。在音响的技巧上，应该避免音响过多而显示出来的杂乱性，合理的运用，才能更好的融合于影片。

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艺术作品、艺术家与受众群

艺术作品是艺术家心血的凝聚，艺术家观众之间又是一种双向的过程。电影作为一种艺术品的同时，也具有商业性。观众的接受程度与经济利润的产生，两者之间有着密切的联系。马克思曾经说过："如果你想要享受艺术，你必须接受艺术的教育。"艺术教育使观众产生不同层次的艺术观念，而艺术作品由于导演水平、团队协作等方面的差异，也划分出了不同层次的艺术水准。由此可见，不同层次的大众，几乎都可以找到与自己口味相适应的影片。而不同层次的影片，也会得到不同的受众群。艺术家在进行作品创作时，创作的来源通常来自于时代以及事件所给予的灵感，而非考虑到影片上市后的收益利润以及观众的口味喜好。但当影片完成并登上大银幕时，观众的赞许与认可也是令影片的创作团队感到欣喜的。这样看来，观众的喜好与艺术家的创作过程似乎并不相关，但这种立场也是观众与艺术家之间蕴蓄的微妙的关系。

在塔可夫斯基的世界里，创作的人物并不是要迎合观众，要产生经济利益，艺术必须遵循其自身内在的发展法则。取悦观众、不分青红皂白的接受观众的不同品味的行为，是对观众的不尊重。以最严苛的艺术标准来进行创作后，观众的喜爱可谓是顺理成章的。在影片与观众见面时，一种导演与与观众面对面对话的既视感也是随之而来的。

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谈到艺术家，塔可夫斯基是极具有艺术责任感的。他始终强调："电影是以现实来运作的艺术。"可以理解为大家耳熟能详的：艺术来源于生活。在通过创作者不脱离于实际的加工和完善后，艺术便高于生活。在塔可夫斯基的创作中，他将视线聚焦于人民的遭遇，与自己的人性相联系后，汇成作品的主题。一部根据作者亲身经历谱写而成的作品相比于严谨设计出来的情节，更容易得到观众的共鸣。当艺术家一心一意的表达真实的自己时，就会发现在"知音难觅"的世界中，"伯乐"会自然而然的向你而来。以今年的奥斯卡金奖电影《寄生虫》和巴基斯坦经典电影《小鞋子》为例，同样是符合社会贫富差距这一主题，《寄生虫》全片表达出的，是在资本主义社会下，富贵的社长与贫穷的帮佣之间的差距；而《小鞋子》则极具有伊斯兰教的民族性，在影片中，伴随着浓浓的宗教气氛表达出了具有巴基斯坦特色的社会阶级差距。同样的主题，因创作者处于不同的社会环境中，最终呈现出的作品也是不同的。对于观众来说，观众处于不同的生活环境中，所以对于影片的理解与感受也是不同的。

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在《雕刻时光》中，安德烈·塔可夫斯基用自己对艺术独特的执念与观念凝聚起了自己艺术化的一生。他以自己坚定的信念，传达出一位艺术家对于理想的渴望与无限追求。他的《乡愁》、《镜子》、《潜行者》等经典作品中，无不透露出他对电影艺术的独特思想与创作方式。既然选择了艺术，便要忠于艺术，他的步履与经验，是值得后人无限学习的。

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