剧情介绍
万万没想到，之前网传的头号种子选手《1917》与奥斯卡最佳影片失之交臂。
要知道，之前人家可是金球奖最佳剧情片、英国电影学院最佳影片拿到手软，导演萨姆·门德斯也因此获了4个最佳导演奖。
不过，最佳混音、最佳视效、最佳摄影等3个技术类奖项，《1917》也没少拿。
今天，平心而论，我们就来好好聊聊这部由黑马变白马的电影——
1917
关于一战的人道主义话题，“一镜到底”的影像语言，末日气息浓厚的战场还原。
技术与内核双保险，看过的人都说好，可为什么在奥斯卡主场，《1917》还是差了一哆嗦？
其实之前，对于本片，影迷方面一直争论不休。
有人觉得，所谓一镜到底，那纯粹是炫技。
故事温吞吞，跟安叔那部《双子杀手》的槽点类似：技术跟上了，故事没跟上。
有人骂，自然有人捧！
你以为长镜头是谁想拍就能拍的吗？再说本片是全片“一镜到底”，颓败的一战战场与魔幻的废墟光影，美学也是没的说。
然而在我看来，《1917》的优点与缺陷都过于明显。
本片导演萨姆·门德斯，算是好莱坞商业类型电影中的翘楚。
纵观他之前拍过的作品，总会以古典的叙事框架，讲述一个引人入胜的故事。
《美国丽人》用“爸爸爱上我闺蜜”的知音体小文，在揭露中年人生活危机的同时，也用风中飘舞的塑料袋表现了情感的纯粹与轻盈。
《革命之路》中，写实的风格突显中年夫妇的生活困境，其关于婚姻本质的诠释也绝对比《消失的爱人》还要令人毛骨悚然。
而对于超级ip“007”系列，那部《007：大破天幕杀机》也将老牌间谍从低迷的状态中拯救出来，用个人危机谱一曲英雄迟暮的挽歌。
可以说，在将社会深度与商业特性结合方面，萨姆·门德斯的实力不容小觑。
此次，萨姆·门德斯将目光投向一战。
讲到一战，多半人的印象不如二战来得强烈。
的确，在二战的战场上，我们有一个明确的敌我划分，即反法西斯联盟与法西斯阵营之间的对抗。
可关于一战，除了“萨拉热窝事件”“凡尔登绞肉机”等几个残酷血腥的名词外，其起因与过程，也不太被大众熟知。同样，关于那段历史的影像记录，远没有二战的丰富。
因此，电影《1917》对于往日硝烟与泥潭幽魂的影像记录，则显得尤为重要。
整个观影的过程，脑海总是浮现海明威在《丧钟为谁而鸣》里写下的那段话：
“所有人其实就是一个整体，别人的不幸就是你的不幸。不要以为丧钟为谁而鸣，它就是为你而鸣。”
无论是故事还是技术，导演的初衷是沉浸式的观影。你可以不了解那段往事，但通过观影，你会感同身受。
此类“沉浸融入”的效果，也成了战争类电影的主要目的，即让观众在身临其境的观感体验后，有种直面历史的厚重性与紧迫感。
去年彼得·杰克逊的《他们已不再变老》同样聚焦一战，也动用了一系列技术性的手段——将视频调成彩色，消除低帧拍摄的误差，模拟现场收音为片中战士配音……
可归根到底，彼得·杰克逊还是将历史的厚重融到小人物的视角以及现代价值观中，以观众能够带入的角度进行叙述，最终让现代个体体会到过去时代的苦痛。
为了增强这种代入感，《1917》从故事与技术两方面，都尽量保证观众在观影过程中的主体性体验。
首先是单一的故事线，简单到不能再简单——送信
德军佯装撤退，引英军入瓮。两个士兵一胖一瘦，需穿过重重阻碍，向前线将军传达停止进攻的命令。
主人公方面，就两个英国士兵。因此，观众视点被限定在特定的人物内，没有其他信息干扰；所看的，也都是他们如何翻越一道道阻碍，跑到前线传递信息。
值得注意的是，《1917》多以跟镜头，以及人物背部的过肩镜头加以呈现。
观感体验很像是电脑游戏《古墓丽影》与cs的结合版，有对于人物的客观记录，也有主观视角。
除了故事本身的私密性，以及相配合的镜头运用外，我们就来好好说说那个牛气冲天的“一镜到底”。
终于，美国主流商业导演萨姆·门德斯也拾起了中国文艺片导演最喜爱的技巧——长镜头。但人家融入的不是小情小爱，也不是封闭的室内空间，而是视野足够开阔的战争戏。
长镜头的代入感有目共睹，让观众与主人公在同样的时间内，经历相同的事，以切身的视觉体验感知现实战争的真实与残酷。
这种真实的意义在于情绪上的联动，即观众与人物同呼吸共命运。
例如片中，当两个士兵观望远处的空战时，坠落的飞机却慢慢向他们的方向，也就是电影外观众的方向袭来。
此时，心理的纠结与紧张，跟观看零碎蒙太奇剪辑所形成的刺激感不同。
正如希区柯克的“炸弹理论”一个道理，我们知道飞机会靠近，但一镜到底让我们放松警惕。在没有任何提示的情况下，飞机会何时何地落在我们周边这一考虑，使画外的观众也精神紧绷。
而在士兵独自一人通过垮掉的桥梁时，迎面而来的是狙击手的枪火。
我们也意识到在这段平静中，肯定会有一次攻击，那么它会在士兵过桥的哪个时段发生，又以什么样的情形出现，这是牵引观众情绪的重要拐点。
技术对真实情绪产生压迫外，“一镜到底”在影片节奏上也处理得张弛有度。
之后，就是不同时空下“一镜到底”的呈现。
《1917》中，在被狙击手击中后，镜头随着主人公的意识瞬间黑幕。之后再亮起，其连续性也是饱满的，象征主人公的又一次新生。
接着，是主人公从楼下离开建筑物，但摄影机是从二楼的窗户探出去，先拍远景的断壁残垣，最后与主人公的视角结合在一起。
此处，空间的不同步，以及视角从客观化到主观化的转变，都是对长镜头非单一化的运用。
但是，长镜头也存有一定弊端。
如果一直怼着一个人脸拍，仅拍室内戏，或只是镜头的单纯记录，都会使画面、故事显得单一化。这就需要导演在电影的节奏中把控快慢、动静。
接到任务后，士兵面对的危机，都是一动一静，疾缓相间。
它绝不是主人公跑酷，一跑到底，而是让战争的激烈紧张，与风平浪静的唠家常融在一起。
平静后有个小风浪，大场面后有个小场面，被敌军追赶后有个小喘息，武戏后有段文戏。这些都让电影的节奏免于“一镜到底”的冗长与沉闷。
另外，《1917》还利用场景反讽，增加了“一镜到底”的可看度，即：危险处的去危险化处理，以及非危险区的危险化处理。
当士兵暴露在露天战场，观众是害怕的，感觉会有什么事情发生，但他们却一反常态地躲过了危机。反而到了室内，因为触及到地雷，两人命悬一线。
容易发生危险的室外，与不易出现问题的室内，却产生了相反的效果。
再比如飞机坠落时，士兵没有受到伤害，反而是在胖士兵恻隐之心发作，拯救德国飞行员时，悲剧发生了。
冰冷的武器造成的碾压，显然不如人性来得彻底与残酷。
在最后一个大场面中，当士兵一个人纵向跑过炮火纷飞的战场，到前线部队以制止全面进攻时，身边的人都在向前进军。
在别人眼中是战火，而在他眼中，只有和平。
这一反差不仅是一个类似《与狼共舞》策马穿越枪火的浪漫镜头，更重要的是，它将时间的紧迫与和平本身重叠在一起，使我们倍感珍惜。
可以说，在节奏与技术方面，《1917》融合得较为完美。
但除了技巧外，故事本身的单薄，以及主要逻辑点的不可推敲，也导致《1917》在人文性上的单调。
布置任务时都说了，前线的军官是个好战分子，一定要格外小心。然而到了战营，士兵仅仅两三句话，卷福饰演的将军就立马收回成命。
人物内心的阻碍远小于外部阻碍，角色性格前后矛盾，塑造上过于轻率。
其次就是时代氛围的渲染。
宏大的都是场面堆砌，至于送信小兵内心与整个时代的连接，相对来说羸弱一些。
这里需要拿《他们已不再变老》做一个比较。
在《他们已不再变老》结尾，导演将士兵个体与这个时代联系在一起。
当那些战场幸存的士兵回到故乡，老邻居见他们的场所不是在火车站，而是门口的杂货铺。
开口第一句寒暄不是感激他们为国争光，而是：“你是在值夜班吗？我好久没有看见你了。”
战场上的英雄，已经与这个时代脱节了。这种脱离大集体的悲凉感，正是影片的升华。
但在《1917》中，我们看到的仅仅是个人，对于个体与时代集体的讨论相对较少。这也是为什么有些网友将本片归为“一战版《拯救大兵瑞恩》”的原因。
主人公情感的转变，虽大起大落，但也模式化，在处理兄弟情感上还是难免煽情。
看到最后，影片讲的还是小家情感，没有一个大国与小家之间的感情对应，哪怕连错位都没有。仅仅是一个人完成任务，然而途中各种家长里短，最后归来。
导演想把电影弄得人文一些，一开始的树下休憩，和最后回归树下，也有宗教隐喻，但这种隐喻都太套路化，无非是生命的平常，以及生命之树长青。
还有一些扒到的内部消息，纯当八卦听吧。
报道上说萨姆·门德斯拍本片的初衷跟彼得·杰克逊一样，因为祖父辈经历过一战，所以就想顺带纪念一下。
然而从曝出的瓜来看，萨姆·门德斯主要还是出于商业考虑。
起因是当年乔奈特拍了《敦刻尔克》的长镜头，众人都觉得惊世骇俗。于是萨姆多年足不出户憋大招，但是剧本没人写，只能自己亲自上阵。
从花絮采访中，一些网友觉得看不出他的大导风范，类似外国版投机倒把的陈思诚。之所以《1917》能进入大众视野，还得是摄影罗杰·狄金斯的功劳。
《1917》是一件精美的工艺品。
就技术层面来说，是王者；就故事来讲，中规中矩。成片在那，毕竟长镜头拍摄也的确不易。
喜欢也好，不喜欢也好，见仁见智；最佳影片给《寄生虫》也好，给《1917》也罢，都无关你我。
毕竟能在最近，花一上午时间，跟着奥斯卡一起欢闹，跟着一部电影一起纠结，也就够了。
对于电影这一剂阿司匹林，足矣。
