文：宿夜花

如果仔细观察上月刚结束的第92届奥斯卡的提名名单，便会发现，似乎在最佳电影的提名中看不到那类反映种族歧视、文化隔阂、非裔平权的电影。尽管辛西娅·艾莉佛凭借着《哈丽特》中的非裔女英雄提名了最佳女主角，影片仍旧无法获得观众的普遍好评（豆瓣评分仅5.9）。

从《为黛西小姐开车》到《绿皮书》于奥斯卡颁奖礼上的夺魁，可以看到：一方面，随着时代发展、文明变迁、观念更替，观众乐于看到消弭族裔隔膜、建立理解包容的温情电影；而另一方面，也是近年来尤为凸显的问题，随着这类题材影片内容的同质化、视听语言方面中规中矩缺乏突破性，逐渐引起观众的审美疲劳，《弱点》、《绿皮书》等温情片中的“白人救世主”、“神奇的黑人”、“柔化矛盾冲突”等模式化、概念化的问题也越来越受到观众的诟病与指摘。

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这其中所触及到的问题便是：关于非裔、社会底层弱势群体的生存状态、生活困境、价值实现等重要主题，要通过什么样的方式讲述才能避免沦入矫枉过正、概念先行的套路化创造模式，从而做到接近现实、不偏不倚、诚挚动人？

在此，将以《炎热的夜晚》为例，通过剧作结构、表演特色、摄影风格、配乐风采等方面来简要探析此类电影的艺术魅力。影片获得了1968年第40届奥斯卡包括最佳电影在内的5项大奖，主演西德尼·波蒂埃是历史上第一位获得奥斯卡最佳男主角的非裔演员（凭借电影《原野百合花》）。

主题内容上的应时性

01.调和娱乐性与思想性：用商业类型片方式完成文化批判与反思

《炎热的夜晚》诞生于1967年。在这一年，《雌雄大盗》、《毕业生》问世后引发了巨大反响，因此该年度也被认为是好莱坞迈进新时代的标志。因为这一时期的影片在思想性与现实性上的侧重、在电影语言上探索之深远，对后世影响颇深。战争的动荡、战后的反思、文化的批判使得观众的情绪达到了一种前所未有的反叛，这也就促成了各种具有突破性佳作的诞生。

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因此，与以往《挣脱锁链》、《阳光下的葡萄干》等传统反映非裔群体争取权利与自我价值的影片相比，《炎热的夜晚》一定程度上没有停留在古典情节片（侧重文本的文学性、和台词的表意性）的套路，而是采用了一种融合刑侦片、惊悚、犯罪元素的新型类型片的方式呈现。比起同年侧重剧本台词对白的《猜猜谁来吃晚餐》中对跨种族婚姻的古典剧情片式展现，《炎热的夜晚》的“应时性”体现在从影片类型到影像风格等多个方面。

02.对立到融合：多组二元模式的巧妙运用

影片中的二元模式的灵巧运用，实现了将主题的反思寓于对人物性格的诠释中，这样处理的优秀之处在于，容易调动观众对人物的感性认识与喜恶情绪，继而在对角色感情色彩建立之上进行主题思索。

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首先是，主流族裔的代表白人警探（罗德·斯泰格尔饰）与弱势群体非裔侦探提布斯（西德尼·波蒂埃饰）的对照。影片在刻画白人警长时注重了角色的典型性，他既不是极端的种族主义者，也并非价值观极为开化包容的现代价值观践行者，他对非裔侦探提布斯的态度某种程度上代表着“大多数”的态度。

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其次是，北方工业化的现代城市文明（费城来的非裔侦探）与南方乡镇的落伍闭塞（密西西比小镇警长）的冲突。白人警探与他的属下助手面对案情一筹莫展、束手无策，他们缺乏推理经验、断案思维，处理事情总是粗枝大叶、思维简单，因此总是频频错误断案。非裔侦探提布斯拥有更现代化的头脑、更专业化的职业技能，并且不乏胆识与气魄。因此，他的闯入在唤起他们族裔偏见的同时，也使得他们在面对现代化思维、城市文明时更清晰地审视自我、发现自己认知的缺乏与视野的局限。

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他们之间的关系变化也显示出了丰富的层次感。警长对他先是有种先入为主的傲慢与偏见，其次是逐渐佩服他的才智天赋与业务素养、对其萌生敬意，但碍于自己的颜面与对于所处地方小镇的话语权，对其仍无法完全消除敌意。在三番两次、啼笑皆非的错判中，警长进一步感受到他的正直秉性、不凡的才智与气度，他开始暗中保护提布斯。当结尾之时，他喊出提布斯的姓名并露出微笑时，这表明他们已经成了心照不宣的朋友。

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饰演警长的罗德·斯泰格尔，从《码头风云》到《典当商》，一直擅长于各类不同性格、不同调性角色，即便面对马龙·白兰度等演技派高手也丝毫不落下风，他表演的最大特点是人物性格丰满、情感转折流畅、细节丰满。而本片中，他饰演的警长时时刻刻都在咀嚼口香糖，那种散漫、骄横、独断专行同时也不失亲和力与人情味的形象便展现得生动逼真。对提布斯的态度转变、对自我困境的反思（缺乏断案思维、蛮横的态度与松散的生活），都成了影片内容进展的关键，因此第40届奥斯卡将最佳男主角授予他，罗德·斯泰格尔可谓实至名归。

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影片隐含的价值反思是不言而喻，消弭偏见最有效的方式是通过自己的专业技能来创造自我价值，用自尊自强的人格特质、包容豁达的精神品格去收获尊重，而并非是各种先入为主的偏见、自怨自艾的颓废、仇视他人自我封闭自我放逐。提布斯尽管性格不够圆融，但最终在侦破过程中，他展现出强大的侦探素养、推理能力、自尊自爱的气魄，引发了一系列人物对其态度的改观。

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视听语言上的突破性

01.爵士乐奠定哀而不伤基调

理解影片的主题内核首先要从片名理解起来。无论是“恶夜追缉令”还是“月黑风急杀人夜”，此类译名尽管凸显了影片犯罪、悬疑、惊悚等类型片属性，但是却无法凸显非裔特色文化独有的那种意境与风采。影片的同名主题曲“in the heat of the night”从很大程度上揭示了影片的情感内核，由非裔作曲家昆西·琼斯作曲，雷·查尔斯演唱（正是2005年杰米·福克斯获奥斯卡最佳男主角的《灵魂歌王》中的角色）。

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歌曲带有浓烈的生活气息与南方特色的爵士风格，这是影片在配乐上的一大突破，比起过往好莱坞大片中占据主流的交响乐所渗透的白人精英审美，这种配乐风格符合大众审美心理、更为雅俗共赏。爵士乐（jazz）来源于布鲁斯（blues），融合了欧美管弦乐与非裔民间音乐元素以及拉格泰姆（ragtime）。因此，这种慵懒闲适不失浪漫幽默、忧郁愁苦又不失纯真乐观的音乐风格，给影片注入了独一无二的迷人气质。

02.视觉造型衬托人物心理

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哈斯克尔·韦克斯勒的摄影无疑是影片最大的亮点之一。传统好莱坞影片的摄影，多是受到保守的中产阶级审美趣味影响，典型却单一的三点布光法、工整却乏味的大片厂摄影棚布景、柔光特写赋予“巨星光环”，最终呈现出的多是工整精致、纷繁华丽。尽管瑰丽堂皇，以十足的梦幻感满足了观众、实现了旧好莱坞的“造梦”主题，但在新好莱坞时代，这种矫饰的浮华、空洞难以符合年轻人的审美。因此，经历了新旧好莱坞交替的哈斯克尔·韦克斯勒，在影调、光线、色彩、构图上进行了精心的设计。

夜景占据了影片重要篇幅，《炎热的夜晚》中运用了大量的低调摄影，荒僻、凋敝的南方小镇，幽深、压抑的环境，正是看似光鲜却精神孤寂、忍受煎熬的主人公精神状态的写照。

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影片的夜景中红色与蓝色无疑是最具有表意性的，红色象征着罪恶、阴暗与欲望，警车的信号灯、街道商店的霓虹灯，无不是危机四伏、犯罪堕落的预示。在60年代的南方小镇，单一的经济模式，匮乏的物质生活，无休止的战争，那种精神世界的空洞与焦灼，使得每个人都通过释放青春焦虑、宣泄压抑情绪来反抗一种凌乱苦闷的生活状态。因此，对提布斯的愤恨既有先入为主的偏见与歧视，也有对自身处境的愤懑与自我放逐的颓废情绪。

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蓝色象征的忧郁焦虑、冷漠哀愁，配合着虚焦镜头制造出的朦胧感，无不奠定着影片的疏离与伤感基调，而蓝色的光影又暗合了非裔音乐民间蓝调（blues）中苦闷、忧郁的气质。此外，部分场景采取了手持摄影，例如，威利偷了钱包逃跑后穿越丛林、江边码头、大桥，摄影便采取手持摄影结合镜头的推拉摇移并辅以视角、景别的变换，展现出了更广袤壮阔、富于纵深感的南方小镇空间。

因此，影片视听语言上的娴熟表现力，更能从感官角度去调动观众的审美感受，并不沦为刻意炫技，而紧紧把握住影片所处的时代背景与人物的精神状态，实现“镜头语言服务于故事主题”。

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结语：尽管奥斯卡在表彰电影人时囿于审美习惯、行业规律对很多类型、题材的电影有所偏爱，但第92届奥斯卡上非裔电影的“失语”，正昭示着一种新的局面。而《寄生虫》克服了重重阻力创造了亚洲电影甚至是所有非英语片前所未有的纪录，也正说明了主题内容的深刻性、故事的观赏性、视听语言的艺术成就仍旧是电影审美的关键。

而《炎热的夜晚》作为60年代好莱坞新旧交替时代的一个经典范本，尽管尚且因为时代的局限而难以做到尽善尽美，但将主题寓于干净利索的故事与动人心弦的表演之中，并通过时尚化、现代化的镜头语言讲述，不失为一种赏心悦目的表达方式。即便是用现代的眼光看来，仍旧是具有深刻的启示意义。我们也希望看到更多的非裔题材电影跳出既定模式，呈现出更真实多彩的精神世界、更娴熟丰富的电影演员。

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