乌玛·瑟曼

主演：因巴尔·拉维,罗伯·希普斯,帕克·扬,玛丽安妮·芮登,凯瑟琳·拉纳萨,布莱恩·奔本,阿伦·道格拉斯,梅根·帕克,玛丽·凯·普莱斯,乌玛·瑟曼
简介：《假面真情》——一场骗局中的真实人性 在爱情与欺骗交织的世界里，《假面真情》第一季以轻快的节奏和黑色幽默的方式，为我们揭开了一场荒诞又深刻的人性实验。它不是传统意义上的犯罪剧，也不是单纯的喜剧，而是一部融合了情感、悬疑和成长元素的“现代情感启示录”。 故事核心：一场骗局背后的情感真相 剧情围绕一个神秘女子伊娃（Maddie）展开，她以不同的身份不断出现在不同男人的生命中，结婚、骗财、消失……看似是一个冷酷无情的职业骗子，但她每一次出现都带着某种矛盾与挣扎。三个被她“伤害”的男人——斯拉、理查德和医生团队的黑人FBI探员帕特里克——从最初的愤怒、不甘，逐渐变成困惑、理解，甚至陷入对她复杂性格的迷恋。 他们原本是受害者，却最终成为了她的共谋者，甚至为了她对抗体制、挑战法律。这不是一个简单的复仇或追捕故事，而是关于人性脆弱、情感依赖与自我认知的深刻探讨。 --- 为什么这部剧能成为爆款？ 1. 反套路设定：骗子才是最真实的那个人 女主Maddie不是一个典型的“恶女”形象。她不是为了金钱而不择手段的冷血骗子，而是一个在不断伪装中寻找自我的人。她的每一次“结婚”，都是一次新的身份尝试；她的每一次逃跑，都是对过去的一次否定。她在扮演别人的过程中，反而暴露出了自己最真实的孤独与渴望。 正如短评中一位观众所说：“即使我们不是Maddie，难道我们从小到大不也一直变着造型，变成对方喜欢的样子吗？”这句话直击人心，揭示了现代人在亲密关系中的普遍困境——我们都在演戏，只为获得爱与认同。 2. 男性角色的成长弧光令人动容 三位男主人公的转变是本剧最打动人的地方。他们从一开始的愤怒、执着于报复，到后来的理解、包容，再到最后的“为她赴汤蹈火”。他们的感情不是单向的痴情，而是一种情感上的相互救赎。 尤其是男主Ezra，从一个单纯天真的工程师，成长为一个敢于面对复杂世界的“新男人”。他不是被欺骗，而是在被骗的过程中看清了自己的内心。这种成长轨迹让观众产生了强烈的共鸣。 3. 轻松外壳下的沉重内核 虽然整体风格偏向喜剧，但剧中隐藏着许多关于信任、背叛、自我认同、社会规则等深层次议题。例如： - 你是否愿意原谅那个伤害过你的人？ - 当一个人不断改变身份时，她还有“真我”吗？ - 当我们爱上一个人渣，是不是也是一种自我选择？ 这些问题没有标准答案，但剧中通过一个个反转和冲突，引导观众去思考自己的情感模式和人际关系。 --- 高光时刻盘点：这些片段值得反复回味 - 婚礼骗局开场：每一集的开头都是女主以不同身份“闪嫁”不同男人，画面唯美浪漫，却暗藏杀机。这种反差感极具戏剧张力。 - 两男一女的“三角博弈”：斯拉与理查德之间的兄弟情谊、互相调侃，甚至一度让人怀疑他们是“隐藏CP”，这种轻松氛围冲淡了主线的紧张感。 - 结局的大逃亡：女主成功逃脱，三人组被通缉，看似失败，实则象征着一种“打破常规”的自由。他们不再是被动的受害者，而是主动选择了另一种人生。 --- 结语：一部关于“伪装与真实”的现代寓言 《假面真情》并不是那种让你一口气看完的爽剧，但它绝对是一部值得你慢慢咀嚼、反复回味的作品。它告诉我们： > 真正的爱情不是找到那个完美的人，而是学会接受彼此的残缺与伪装。 在这个真假难辨的时代，或许我们都曾是骗子，也都曾被骗。而唯一能让我们继续前行的，不是真相，而是那份愿意相信的勇气。 --- 如果你正在经历失恋、迷茫、或者对感情感到疲惫，《假面真情》会是你最好的陪伴。它不会告诉你该怎么活，但它会让你明白——哪怕你是个骗子，也值得被爱。 推荐理由： - 情节紧凑，反转不断 - 角色立体，成长线清晰 - 幽默与深度并存 - 对现代情感关系的深刻反思 评分7.9，口碑与热度兼具，错过可惜！

主演：奥斯卡·伊萨克,肯尼思·布拉纳,乌玛·瑟曼,马克·哈米尔,皮尔斯·布鲁斯南,福里斯特·惠特克,本·金斯利,罗曼·格里芬·戴维斯,Ava,Sanger
简介：电影《万王之王》（The King of Kings）是一部2025年上映的动画作品，由张诚浩执导并参与编剧。该片集合了多位知名演员为角色配音，包括奥斯卡·伊萨克、肯尼思·布拉纳、乌玛·瑟曼等。 剧情简介： 影片采用双线叙事结构，一方面讲述了耶稣从诞生在马槽中开始，经历了一系列奇迹和教义传播，直到其悲壮结局的故事；另一方面，通过查尔斯·狄更斯与其儿子瓦尔特之间的交流，将古老的圣经故事以一种更加温情的方式呈现出来。瓦尔特原本热衷于奇幻冒险的故事，但在父亲查尔斯的引导下，逐渐沉浸在这个关于耶稣的故事之中，跟随想象中的耶稣一起经历了他的种种奇迹，见证了他的生命旅程。 具体来说，查尔斯·狄更斯给儿子瓦尔特讲述了一个特别的故事，这不仅是简单的睡前故事，而是变成了一段深刻影响瓦尔特人生的旅程。通过这种生动而富有想象力的叙述方式，瓦尔特仿佛与耶稣一同旅行，亲历了那些历史上的关键时刻，并从中得到了启示与成长。 电影融合了剧情、动画、西部以及奇幻元素，旨在探索信仰的力量及其对个人和社会的影响。它不仅是一个宗教故事的再现，也是对家庭关系和个人成长的一种探讨。影片试图通过这样的方式，让观众感受到故事背后的深层含义，体验到信仰给予人们的力量与希望。 需要注意的是，这部电影具有明显的宗教色彩，特别是基督教的主题，对于了解或感兴趣于基督教文化背景的观众来说，可能更具吸引力。此外，电影也尝试通过现代动画技术来重新诠释一个古老而又永恒的故事，赋予其新的生命力和表现形式。

主演：雅各布·艾洛蒂,乌玛·瑟曼,理查·基尔,迈克尔·因佩里奥利,克里斯汀·弗劳赛斯,佩内洛普·米契尔,维多利亚·希尔,Aaron,Roman,Weiner,科妮莉亚·格斯特,迪伦·
简介：影片根据同名小说改编，讲述一个作家为了逃避越战征兵逃往加拿大的故事。

主演：马特·狄龙,布鲁诺·冈茨,乌玛·瑟曼,希博汗·法隆,苏菲·格拉宝,丽莉·吉欧,杰瑞米·戴维斯,爱德华·斯皮伊尔斯,大卫·拜利,刘智泰
简介： 期待了很久的《此房是我造》，带着戛纳电影节的光环，自从5月份之后便消失在我们视野当中。直到最近这部电影才真正的露出了它的庐山真面目，《此房是我造》是如何做到放映未半的时候，已经有过半观众离场的？离场观众给出的理由是：太过血腥和残暴。 " 拉斯·冯·提尔从来不是一个迎合主流观众的导演，但是他却总在无意之间引领着潮流。从1984年的处女作《犯罪元素》，到2003年由妮可基德曼主演的《狗镇》，再到今年5月份面世的《此房是我造》，他的每一部电影都能迎来关于艺术和人性道德的大讨论，他本人也时常处于舆论的之中。 " 拉斯·冯·提尔的福地便是戛纳电影节，所以他也异常重视这个电影节，每逢有新作完成，必然会带到戛纳来面对全世界的审视。即使他如此重视戛纳，他却曾在2011年被戛纳划入黑名单，是因为拉斯·冯·提尔在参加采访时表示“我有些理解希特勒，甚至有些同情他”。 我们都知道希特勒是第二次世界大战的始作俑者，更是反人类的代表，是世界爱好和平的人民公敌。所以拉斯·冯·提尔一言既出，引来世界舆论的谴责，戛纳迫于压力，不得不宣布“拉斯·冯·提尔在戛纳是不受欢迎的人，无限期禁止他及他的作品进入戛纳”。 " 从2011年到2018年之间的7年时间，拉斯·冯·提尔远离了大众的视线，仅仅有《女性瘾者》1/2部及《此房是我造》三部作品面世。直到今年的戛纳电影节，拉斯·冯·提尔才得以重返自己的“老地方”，这次他带来的作品是《此房是我造》。 " 要了解《此房是我造》，必须先了解拉斯·冯·提尔的导演风格，他在近些年一直在尝试各种特别的电影风格，其中最有特色的莫过于《狗镇》这种画地为房屋式的实验电影，拉斯·冯·提尔称之为“融合电影”，是文学、电影和舞台剧的高度结合。 " 《此房是我造》更像是一部更完整意义上的“融合电影”，观影过程你会接受文学、绘画、音乐、舞台剧、喜剧、纪录片、定格动画的轮番轰炸。这是一种前所未有的电影风格，也是会让你大呼过瘾的电影风格，是拉斯·冯·提尔所追求的最高强度的“艺术融合体”。 " 戛纳电影节试映的时候，最让我们惊讶的消息便是过半观众在观看《此房是我造》的过程中愤然离场，他们出门的时候还骂骂咧咧“这不是一部电影！这是屠杀者的炫耀！”我依稀记得姜文导演的《让子弹飞》刚上映的时候，某位著名主持人也是看了没多久便愤然离开，在网上写道“充斥全片的脏话、血腥场面和性暗示把我这个普通观众折磨得只能提前离席”。 " 历史是多么的相似，《让子弹飞》遭遇的事情，如今《此房是我造》也遇到了。而我们都知道，《让子弹飞》已经被证明是一部绝对的电影经典，其中的脏话也好，血腥场面也好，都是为电影整体服务的。那么，《此房是我造》究竟是一部怎样的电影，会不会也能成为传世经典？ " 《此房是我造》的故事其实很好理解，影片开端便是两个人的对话，其中男主角杰克是一个工程师，我们也都知道很多工程师都有强迫症，很不幸杰克不仅是个强迫症，还是个洁癖。另一个对话者我们从影片后段可以知道是维吉尔。 " 对，就是那个在《但丁神曲》中，引领但丁经历地狱、炼狱、天堂的维吉尔。 杰克的强迫症状十分严重，他有一次开车遇到了一个汽车抛锚的妙龄女郎，妙龄女郎是个自来熟“我想你一定不会把我这个弱女子扔到这里吧？” 杰克接受了妙龄女郎的请求，开车载她去修理千斤顶。可谁知这个女子还是个毒舌妇，自从上车之后便一直喋喋不休，除了开玩笑说杰克像连环杀人犯，还十分轻蔑地说“你那么怂，肯定不会是杀人犯”。杰克彻底被激怒，用千斤顶结果了她的性命。 " 就是这样一次巧合，杰克却获得了很大的解脱感，他的强迫症状有所减弱。就像他在电影中描述的一样“一个人在路灯下走着，当他走到路灯最下方的时候，影子最小。”杰克在每一次杀过人之后，他的强迫症会减轻，同时内心会有满足感。他继续前行，满足感会慢慢减弱，痛苦会慢慢增加，迫使他去完成下一次杀害，从而完成内心的解脱。 " 当他每一次杀人之后，电影都会插进著名钢琴家古尔德的演奏片段，杀人犯杰克认为他的杀人行为和古尔德的弹钢琴行为一样，都属于艺术的一种。和那些著名的壁画一样，都是艺术。所以在电影中我们会看到导演突然切进国际著名的画作，代表着杰克内心自我感觉良好的“艺术感”。 " 在路边求救的毒舌妇，成了他手中第一个冤魂。也是这部电影的第一个事件，全片被拉斯·冯·提尔分为5个事件，和《女性瘾者》很相似，一件件独立的事件组成了完整的电影。 第二个事件是杰克撒谎骗进了一个独居老妇人的家门，进门之后凶相毕露，而且全程都带有一丝神经质。这个段落是全片最幽默的片段，因为杰克患有洁癖，当他拖着尸体离开之后，一次次回想犯罪现场，一次次担心会留下血迹让现场不那么完美。 " 所以他冒着极大的风险，一次次回到现场，一次次翻看地毯、家具、墙画，检查自己做得是否干净。当他把尸体抛入草丛时，却不慎让车门夹住了捆绑尸体的绳子，他开车拉着尸体跑了一路，整条道路上全是摩擦地面留下的鲜血。 不过令人意外地天降大雨，帮助他消灭了所有罪证，就连杰克自己都笑自己的运气爆棚。 " 第三个事件他曾带着自己的妻儿去“狩猎”，他是猎手，妻儿是猎物。他端着枪，像玩游戏一样逐一杀掉了他们，把他们的尸体和乌鸦的尸体摆在一起，组成了他心中最完美的“战利品”。这一段也是让很多观众最不能接受的，是反人类的。 " 第四个事件他杀害了自己的女朋友，用一种近乎折磨的方式割掉了她最引以为傲的身体一部分。第五个事件他想学习希特勒，第二次世界大战的时候，纳粹军队为了节省子弹，往往会将很多人同时绑在一起，用最少的子弹解决掉更多的敌人。 " 杰克效仿了纳粹军人，想要用一颗子弹同时处决多个人。但他却因为子弹不是“全金属外壳”材质的，而不惜暴露了自己的行踪，引来了警察的追踪。 这个时候，影片中一直和他对话的那位维吉尔出现了。维吉尔引领着杰克进入地狱、炼狱，在路上瞥见了一眼天堂，那是杰克最爱的农场上家乡男人割草场景，那是他最喜欢的地方，杰克说过他最爱听到那些男人们割草时统一的呼吸声。 " 杰克这位作恶多端的连环杀手，还是走进了自己一手创建的地狱入口。当维吉尔指着一个断桥说，桥对面是另一个世界，我也从未见过的时候，杰克这位强迫症患者，下定决心要过去看一看，所以他攀上悬崖峭壁，而绝壁下面就是滚滚的地狱之火。 杰克最终还是没能走到断桥的另一边，他掉进了万丈深渊，掉进了早已吞噬万千作恶多端灵魂的岩浆之中，只留下了一个负片的影子。 " 我们该如何理解《此房是我造》呢？ 拉斯·冯·提尔用他精妙绝伦的导演手法，为电影注入了新鲜元素，包括直接引入古尔德的演奏片段，而不是仅仅作为背景音乐使用。他直接插入了大量的画作，让电影在艺术的探讨上更为深刻。 《此房是我造》的本意是杰克想在继承的一片空地上建造一栋绝美的房子，但是他却一次次动工，一次次推翻重建，他始终找不到自己内心房子的样子。就像很多艺术工作者，寻找着自己的灵感，却穷尽一生而不可得。 " 当杰克靠杀人获得艺术灵感的时候，当他把那些用死亡叠加而成的胶卷负片粘贴成房子的形状时，他才真正懂得了自己享受的不是建房子的过程，而是杀戮的快感。 杰克不停地行凶却依然内心孤独，他最爱的古尔德，最拿手的便是《孤独三部曲》。他内心空虚无法释放，只能通过行凶来寻找存在感，他一边逃避着警方的追捕，一边又因为无人能抓到他而感到空虚。 " 他最后终于成功的搭建成了自己想要的艺术——用尸体搭建的房子。房子中，便是地狱的入口。他亲手为自己打通了通向地狱的入口，艺术的终点——是毁灭。在杰克眼中，死亡才是最完美的艺术。 电影高潮出现在维吉尔带领杰克游览地狱的时候，他们穿行在不同的区域，见识着《但丁神曲》中描述过的那些场景。作为观众，我们已经被这些极具创造力和想象力的场景迷得如痴如醉，尤其是当《但丁和维吉尔共渡冥河》这幅名画恰在好处的出现在画面中时，《此房是我造》已经足以载入史册。 " 维吉尔和杰克在炼狱中的行走慢动作和共渡冥河时出现的慢动作，将扑面而来的宗教感表达得淋漓尽致。突然截然而至，世界变得清静，杰克看到了窗外，是自己梦想的天堂。但是维吉尔告诉他“那里是极乐世界，我们没有资格过去”。 " 等待着杰克的，只能是比炼狱和地狱还要黑暗、还要残忍的地方。那就是欲望之桥。来到断桥之上，桥对面便是地狱之外，杰克想要过桥，就像所有做过坏事的人，最后都想逃离地狱。 维吉尔像是一个熟练地工人一样，告诉杰克“虽然有不少人试过，但我不建议你这么做”。他心里明明知道，没人能忍受得了那种诱惑。而想要攀援过去的人，无一例外，全都会跌入滚滚岩浆。至此，维吉尔的引领之路才算是完结。 " 电影前半段和后半段看似有强烈的分割感，却都和艺术关系紧密。贯穿全片的便是艺术，无论是钢琴弹奏，还是哥特建筑，还是教堂壁画，或者最终的游历地狱，都代表着世界上最完美的艺术。 拉斯·冯·提尔便是这样，完成了自己最艺术的一部电影。这是一部能够让你了解艺术真谛的电影，是一部无论剪辑多么天马行空，都会让你忍不住夸一句“这才是电影！” 拉斯·冯·提尔的《此房是我造》，才算是电影，这才是艺术！

主演：杰拉德·巴特勒,杰西卡·贝尔,凯瑟琳·泽塔-琼斯,丹尼斯·奎德,乌玛·瑟曼,朱迪·格雷尔,詹姆士·塔珀,诺亚·罗麦克斯
简介：乔治（杰拉德·巴特勒 Gerard Butler 饰）是一名足球运动员，曾经的风光岁月已然成为了过去，如今再也无人问津的他只好退出了绿茵场，重新回到了家庭之中。尽管生活上丰衣足食，但退役后的乔治始终觉得生命中缺少了一点什么，巧的是，乔治儿子的学校里有一只足球队，正好缺少一个教练，这个差事便落到了无所事事的乔治头上。　　对于乔治来说，带领一帮小孩子踢足球并不难，真正难以招架的，是这些小队员的母亲们。面对乔治，这些如狼似虎的女人们发起了激烈的进攻，无不希望能够和这位英俊迷人的足球教练发生点什么。在应付这些女人的同时，乔治还得想办法修复自己和家庭之间常年冷淡的关系，面对无孔不入的诱惑，乔治能够坚守他的节操吗？

主演：罗伯特·德尼罗,乌玛·瑟曼,比尔·默瑞,大卫·卡罗素,
简介：韦恩多比是芝加哥警局的采证专家，专门在犯罪现场拍照，以寻找破案的蛛丝马迹，他的个性害羞又孤僻，从来不忍心下手开枪，怪异的处事行径，为他赢得了一个讽刺的外号“疯狗”一日，韦恩走进家附近的杂货店，巧遇一宗抢劫案，他无意间救了芝加哥放高利贷的黑道老大法兰克米洛。法兰克对韦恩当场处理抢劫的手法非常佩服，于是决定与害羞的韦恩成为好朋友，为了报答救命之恩，法兰克将他夜间俱乐部中的美丽女酒保葛洛丽当作“礼物”送给韦恩，随他使唤一星期。一开始，韦恩对于这项的“厚礼”一点兴趣也没有，但是随着日子一天天的过去，他发觉自己无法自拔的爱上了葛洛丽……

主演：瓦妮莎·雷德格雷夫,乌玛·瑟曼
简介：2024年，继续我的1000部电影计划！ 大家好，我是亿亿！今天给大家推荐1000部电影的第106部：《湖畔迷情》（又叫《科莫湖之恋》） 科莫湖，第一次听说这个地方，位于意大利西北部。 天哪，这个地方真的好美！ " " " " 有的电影剧情很吸引人，有的电影风景很吸引人，有的电影是男女主甚至是某个配角的魅力吸引了人。 在这部电影里，我真的是太喜欢女主了，年纪虽然有点大，但真的很可爱，很有趣，还很有活力，衣品还很好。 看完这部影片，不光被里面的风景给迷住，也完全被女主给迷住了，希望自己也不管到是多少岁，依然有很多热爱，依然自信、热情，有活力！ " " " 这部由约翰·伊文执导，瓦妮莎·雷德格雷夫和乌玛·瑟曼主演的作品，在1995年英国上映后，便以其细腻的情感刻画和迷人的湖光山色，深深打动了观众的心。 影片以科莫湖为背景，讲述了一个充满韵味的故事。故事的时代背景是1937年。 " bentley小姐，这位生活在科莫湖边依山别墅的女子，每年都会在这里度过四月的时光。 她的父亲，曾是伦敦上流社会的艺术家，1937年离世后，留给了她这座别墅和无尽的回忆。 " 科莫湖，这片被誉为“世界上最美的湖泊”之一的地方，为影片提供了绝美的视觉背景。湖水清澈，山峦叠翠，别墅则依山傍水，仿佛是大自然与人类建筑和谐共生的典范。 美、美、美，真的是太美了！ " " 每当四月来临，bentley小姐都会在这里等待着那些偶然造访的讲英语的客人，其中不乏来自美国的游客。他们或许只是过客，但每一次的相遇，都为bentley小姐的生活带来了不同的色彩和体验。 很喜欢这类风格的电影，风景美，人有趣。 " 剧情大概就是男主对妙龄少女穷追不舍，女主对小鲜肉的热烈追求却含笑拒绝，男女主都不再年轻，两人一见面就会争锋相对，女主知道男主喜欢那位年轻的姑娘，可女主喜欢男主，最终凭借智慧和魅力赢得男主的真爱。 看完之后真的对科莫湖这样的地方充满了无限向往！ " " " 看这种类型的电影真的对身心和眼睛极其友好！ " " 电影：《湖畔迷情》（又叫《科莫湖之恋》） 国家：英国、美国 上映：1995 导演：约翰·伊文 主演：瓦妮莎·雷德格雷夫、乌玛·瑟曼、 豆瓣：???7.2 -over-

主演：理查·基尔,金·贝辛格,乌玛·瑟曼,埃里克·罗伯茨
简介：书名：我心知秋意 作者：ad钙奶没有c " 简介 秋意相亲被发现后—— 颜：时秋意你有没有心啊！你他妈再说一句你喝多了试试看！ 秋意：我觉得你该好好学习…… 颜：你放屁。 秋意：我不能残害祖国的花朵。 颜：来吧。 秋意：？ —— 我心知秋意，秋意如何知我星。 【丸子每日推书】独家原创书评 娇俏网店老板娘vs心机黏人高三生，同居梗，欢喜冤家，姐弟恋，年龄差5岁。 开篇女主23岁，才毕业没两年，父母就把她强硬召唤回老家工作。明面上是说希望女主多陪陪他们，实际情况是担心女主的婚姻问题了。这不，女主才辞职回来没多久，就得时不时被逼着见相亲对象。人在屋檐下，不得不低头，女主只得偶尔出去应付一下。好在，女主和闺蜜开了个网店，卖些成人玩具，也算是有点收入。 然而，啃老的悠闲日子还没过几天，父母突然说老朋友的儿子现在高三，要回老家高考，需要在家寄住一段时间，让女主多照顾一下。于是，女主万分不情愿，还是去机场接人了。18岁的少年，长得那叫一个又高又帅，关键一副拽拽酷酷的样子。女主自诩大美人，还是被惊艳了一下。 女主想摆出姐姐的派头，却真的不靠谱，开车在机场绕了好几圈都开不出去，男主都无语了，觉得这姐姐就是个奇葩。有了这个开头，两人之后的相处，就跟欢喜冤家差不多，做啥、说啥都要互怼一波。不过女主在家闲着，有事没事就会去接男主回家，一起吃饭啥的。 女主爸妈工作忙，白天基本不在家，男帅女美，同处一个屋檐下，免不得有些暧昧的时刻，比如，男主不经意亮出了自己的好身材，又比如，女主浴室洗澡水龙头坏了，男主冲进来看到女主身体。这下，两人心思都不淡定了，粉红色泡泡不断地涌出。 转折点是女主让男主假扮自己男友，应付一群老同学。两人喝了点酒，父母又出去旅游了，就有了一夜。一夜过后，女主内心还是有点愧疚，毕竟男主才18岁，祖国的花朵呀，感觉自己辣手摧花了。于是，女主故意躲着男主，想将这夜揭过去。 然而，我们男主可没这么好糊弄。弟弟展现男友力的时刻到了，步步紧逼，s诱+卖惨，一步步攻下姐姐心防。最搞笑的是，女主开成人网店的事儿暴露，男主暗搓搓买了好多东西，说是支持女主生意，其实是想和女主实践来着，弟弟真的太会撩了啊啊啊啊！ 随着高考结束，男主更是直球出击，两人躺一屋，关系被男主父母发现。不过这也不是问题，毕竟两家都是旧识，双方父母都很喜欢对方的孩子。两个小辈能走到一起，是乐见其成的事儿。男主高考填志愿，也故意选离女主很近的大学，完美撒花~ 全篇就很甜很甜，男女主互动特别逗！女主看着大美人儿，实则脑回路清奇，特别爱脑补。弟弟又乖又黏人又白切黑，爱了爱了！ 欢迎关注【丸子每日推书】 每天为你推荐最优质的小说 关注，再也不书荒

主演：安迪·加西亚,兰斯·亨利克森,乌玛·瑟曼,布鲁斯·罗宾逊,凯西·贝克尔,约翰·马尔科维奇
简介： 继《犯罪嫌疑人x》之后，日本今年又出了一部叫好又叫座的悬疑片。 《去年冬天和你分手》 " 这部电影可以用四个字形容：全是陷阱！ 对于一部稍有不慎就可能踩雷的悬疑片来说，豆瓣的认同度很高了。 " 自由记者耶云恭介（岩田刚典）找到报社主编小林（北村一辉），表达了对一起轰动全国的盲女被活活焚烧至死案的怀疑，提出想重新接触当事人，再次进行深度报道。 " 一开始拒绝的小林经不住总编的怂恿以及出于名利上的私心，最终同意了耶云的提议。 " 耶云很快找到了当事人木原坂熊大（斋藤工），提出跟踪报道的想法。这个神情阴郁的著名摄影师稍加犹豫就答应了耶云的采访。 一出猫捉老鼠的游戏于是正式拉开了序幕。 " 随着调查的深入。 摄影师熊大和姐姐朱里的故事被层层揭开。 姐弟俩自幼丧母，十三岁那年，一直虐待他们的父亲被害身亡，熊大和姐姐被寄养在福利院长大。 因为一次偶然的机会，熊大喜欢上了摄影。 种种迹象表明，姐弟俩的关系似乎已经超越了人伦。 " 让耶云始料不及的是，与此同时熊大也在跟踪他。 历来喜欢把别人东西据为己有的熊大得知他有女朋友（百合子）后，很快制造机会接近并带走了百合子（山本美月）。 " 不出所料，惨剧不可避免的再次发生了。。。 " 看到这里，如果你以为这是一个因童年受尽虐待而导致心理扭曲的艺术家为了寻找灵感而制造的变态杀人案的话。 恭喜你，你已经成功被编剧带进了坑里。。。 影片后面一小时的不断反转才是全片厚积薄发的精华，这里暂不剧透。 悬疑片讲究的是逻辑，要把一部严谨的推理片引人入胜又严丝合缝的讲好并不是件容易的事。 影片层层递进到你以为的故事高潮到最后的神反转，起承转合间逻辑清晰、流畅无比，最后呈现出让人意想不到的震撼。 唯美残忍，含蓄忧伤。一贯是日式电影所擅长的。 熊大和朱里这对从小饱受虐待的姐弟，特殊的境遇造就了他们的变态扭曲，一个爱看别人痛苦，一个喜欢抢别人东西。从被害者到施虐者，最终在丧失自我的极端中一步步走向毁灭。 天道有轮回。 当你凝视深渊时，深渊也在凝视着你。 片中熊大在暗房中给耶夫恭介讲解《地狱变》，说人的身体被束缚，就会有意想到不到的表情。隐喻盲女被烧死事件，看得人脊背发凉。 " 除此片中还有大量的喻，一个镜头、一句台词、甚至一个表情背后都很可能都暗藏玄机（拍摄手法之精妙，可以说是久违了，给导演点赞）。 和熊大姐弟变态乖张相对应的，是主角和女友那段温暖短暂的的恋情。 因为短暂，所以永恒。因为短暂，才会有爱而不得的遗憾和哀伤，才会有最后飞蛾扑火般决绝的力量。 一颦一笑，都是爱你的样子。 " （电影烂番茄编辑部：不以物喜）

主演：西恩·潘,萨曼莎·莫顿,Dan Moran,乌玛·瑟曼,Brian Markinson
简介：内容提要：在中国电影票房飚升的同时，电影的艺术质量并没有得到同步的提高。单以影像来说，在影像技术品质提高的同时，我们看不到影像背后的美学和哲学支撑。本文通过考察中国电影影像创作的生态环境，反思影像创作理论的缺失，探讨影像创作突破的可能性。影像与叙事的关系到底应该是什么？“影像为叙事服务”还能否解释今天的银幕现象？是否有必要将影像放在一个更大的维度内来考察？ 作者简介：王竞，北京电影学院教授，摄影系主任 谈论中国电影的现状有不同的角度，其中最常见的有“市场”和“票房”、“产量”和“质量”，以及由习近平总书记在文艺工作座谈会引发的“品位”和“导向”等话题。在这些常见的讨论中，经常听到的一方面是对票房大幅度增长的兴奋，另一方面是对影片“质量”下滑的指责。这里质量并非指电影的技术质量，而是指电影的艺术水准和人文价值。在这些讨论中，批评者指中国电影在迎合市场的同时将题材庸俗化、叙事碎片化和简单化。我想说中国电影的整体质量是和中国电影的环境生态密不可分的，正如冯小刚所说有什么样的观众就有什么样的电影。而本文试图探讨的中国电影影像创作，同样不能脱离中国电影影像创作的生态环境。 北京电影学院摄影系与中国电影影像创作 应该说，就中国电影创作的整体状况来看，电影影像的质量水准是相对高的。当前中国电影在年产六七百部的环境下，创作人员的准入门槛显著降低。但电影摄影因为存在一定的技术要求，仍然保持了基本的专业条件限制。如果说中国电影与西方电影存在着整体差距的话，那么单从摄影来看，这个差距也许略小一些。比如，电影从业人员中，因为特定角色的需要，中国演员偶然会进入西方主流电影中。除此以外，能够进入主流创作人员行列的就只有中国摄影师了。如摄影师顾长卫(《红高粱》《阳光灿烂的日子》)与美国导演罗伯特·奥特曼(robert altman)合作拍摄了《迷色布局》(the gingerbread man，1998)、与安东尼·德拉森(anthony drazan)合作拍摄了《浮世男女》(hurlyburly，1998)；摄影师赵非(《让子弹飞》《黄金大劫案》《太平轮》)与著名导演伍迪·艾伦(woody allen)合作拍摄了三部影片(《玉蝎子的诅咒》《暴发户》《甜蜜与卑微》)。这些毕业自北京电影学院摄影系的摄影师基本上支撑了当前中国电影的影像创作主体。 目前中国电影摄影师中，约有70%毕业于北京电影学院摄影系。拥有如此之高的行业占有率，一方面得益于电影胶片工艺带来的技术门槛(全国所有院校中只有摄影系教授以电影胶片工艺为基础的完整的电影制作)；另一方面受益于摄影系长期以来所秉持的“重技术基础，树艺术精神”的教学理念。如此的“精英化”“专业化”教学形成了中国电影影像人才培养的特色，并构成了当前中国电影影像创作的中坚力量。 这是否意味着中国电影已经拥有了制作高水准影像的能力？我们又该如何来评价中国电影影像创作状况？在当前的中国银幕上，随着电影制作规模的提高，画面品质变得越来越精致，数字化工艺的实施也消除了传统胶片工艺同国外的技术差距。初看起来，中国电影影像在构图、光线、色彩等方面与国外中等制作规模的电影相比差别不大。在我们的银幕上也能找到手持风格、广告风格、日韩风格，甚至好莱坞风格。单从质量和技巧上看，中国电影的影像已经显得很成熟了，至少大制作的电影可以做到这一点。 然而真正的差距体现在美学，乃至哲学的层面上。 影像与叙事 在世界影坛上，华语电影的影像曾经有着独特的美学特征。中国台湾摄影师李屏宾(《悲情城市》《花样年华》等)的影像有一种含蓄的、装饰韵味的诗性风格。我们从他的影像中不难感觉到那种来自中国和日本绘画的东方意韵。中国香港摄影师杜可风(《堕落天使》《春光乍泄》《重庆森林》)以手提摄影的摇晃感、色光和透视变形营造出的暧昧和孤独，赋予王家卫的电影一种独特的颓废魅力，其影像风格如一道都市标签，具有极高的辨识度。 追溯到张艺谋。《黄土地》《一个和八个》平面化的构图；《红高粱》《大红灯笼高高挂》惊艳的中国红曾在电影史上留下了独属中国电影的一笔(据说伍迪·艾伦就是看了《大红灯笼高高挂》才想到要与赵非合作)。然而张艺谋之后的中国影像，就再难找到让人印象深刻的独特性贡献了。即便是张艺谋的影像风格，其中最大的贡献主要是来自色彩的运用，归结起来更多是美术层面的运用。 尽管近年来中国电影无论数量，还是制作规模都呈现着井喷式的发展，但中国摄影师在影像美学上却没有做出过真正有影响力的贡献。电影局长张宏森在总结中国电影创作现状时曾说，中国电影人有一种“方法论焦虑”，即中国的电影创作者总是在方法、技巧层面求新求异，却不注重创作背后的深层探究。这也导致中国电影创作流于表面，缺少背后的底韵。这一点在电影摄影上体现为，摄影师仅仅关注画面品质，没有刻意去挖掘影像背后的美学价值。另外，在电影创作中，仅仅满足于对国外影像的借鉴和模仿，缺少真正的创造性。用中国传统绘画的术语来说，显得有一些“匠气”。 贾努兹·卡明斯基(janusz kaminski)作为与斯皮尔伯格多次合作的摄影师，可以说是好莱坞主流影像风格的代表人物之一。在创作《拯救大兵瑞恩》时，他运用非镀膜镜头、震动的摄影机、消色和粗颗粒效果来形成战争场面的强烈临场感，从而将奥马哈登陆之战拍摄成了电影史上的经典。而在拍摄《潜水钟和蝴蝶》时，他运用单一光孔、固定焦点、移轴，甚至针孔镜头模仿主人公瘫痪的视角，形成一种极为主观、但却异常锐利的另类影像。从这两种风格迥异的影像，我们看到的不是他对风格的迷恋，也不是对某些技巧的熟悉，而是对于影像背后美学层面的思考和感悟。 安东尼·多德·曼妥(anthony dod mantle，《127小时》《贫民窟的百万富翁》)拍摄《家族庆典》(festen)时，第一次将家庭dv摄像机用于电影。他并非只是简单地更换了拍摄工具，而是创造了一种全新的私人影像视角、一种碎片式的美学。以至于在他之后，尽管很多人也使用了这一工具，却没有比他走得更远。 还有一个值得思索的现象：很多西方摄影师(包括导演)往往年龄很大仍然表现出惊人的创作活力。罗杰·狄金斯(roger deakins，《肖申克的救赎》《冰血暴》《老无所依》《朗读者》等)拍摄《007：大破天幕杀机》时63岁；戈登·威利斯(gordon willis，《教父》《曼哈顿》等)工作到66岁；斯托拉罗(vittorio storaro，《现代启示录》《末代皇帝》等)现已70岁，仍然拍摄了《一代画家卡拉瓦乔》《歌剧浪子》；弗雷迪·扬(freddie young，《日瓦格医生》《阿拉伯的劳伦斯》等)一直拍摄到80岁。 电影摄影的工艺，甚至观众的审美特点一直在变化。长达几十年的创作生涯若仅靠技巧和对工具的运用来支撑是无法持续的。能够跟随时代的变化不仅仅是学习能力的体现，更要依靠对影像本体价值的理解。反观当年执中国电影摄影牛耳的北京电影学院摄影系78级毕业生(张艺谋、顾长卫、吕乐、赵非、穆德远、王小列、张黎、梁明等)如今正值创作经验丰富的黄金年代，却大部分改行做了导演，纷纷离开了摄影创作领域。 造成这一境况的原因是什么？影像创作丧失魅力了吗？当我们归根溯源，我们隐约能够从中国电影影像创作的生态环境中找到答案。有人说导演是电影创作的灵魂，“摄而优则导”是一种自然规律。然而我们进行了相应的研究则发现，国外电影导演很多是由编剧或演员转行，如此大面积的“摄转导”真是中国的特有现象。 在中国电影创作中，导演和摄影师的合作方式是造成这一现象的原因之一。由于电影生产中导演处于创作的核心位置，导演们往往有一种误解，即摄影师、美术师都是从属于导演的，导演对摄影师处于一种支配性地位。因此有才华的摄影师不愿意长期在这种环境下工作(尤其是面对能力较弱的导演)。分析这种现象背后的深层次原因，我们能够发现摄影师(包括导演)对影像与叙事关系的理解有偏差。 回顾当今中国电影影像理论的形成，基本上有两个主要的组成部分。其一是上世纪50年代由苏联电影理论影响的所谓“绘画派”理论；其二是上世纪八九十年代西方电影进入中国之后，第五代创作带来的理论思潮——如广受关注的“纪实派”。而近三十年来，中国电影基本上没有比较系统的影像理论讨论。 长期以来，作为中国摄影师摇篮的北京电影学院摄影系一直在强化技巧和叙事训练，没有过多地关注影像的本体理论和美学讨论。在创作观念上，我们固守着“影像为叙事服务”、摄影师的四大造型手段(构图、色彩、光线、运动)等基本理论框架。一代代学习过这套理论的摄影师们带着根深蒂固的“影像为叙事服务”的概念走上创作岗位，几乎不做质疑。这一理论看似理所当然，其实有其局限性。笔者作为一个从摄影系毕业、在摄影系工作，却早已改行做了导演的“两栖动物”，对这一点深有体会。当“叙事高于一切”变成一个理念时，摄影师的创作空间被大大地压缩了。在中国，即便很优秀的摄影师也比较少进行影像美学或哲学的思考。在创作的时候，摄影师常常只是在努力地满足导演的叙事要求，去进行技术上的完成；而只有很少的导演能超越摄影师进行影像美学层面的分析和提升。甚至有的导演因为不熟悉影像语言，根本就不知道如何与摄影师沟通。一个常见的现象是，导演埋怨摄影师没创意，而摄影师埋怨导演不懂画面。 电影是影像的艺术。观众走进影院时，寻求好故事只是他的理由之一；寻求超越日常经验的视听体验也是电影消费的重要内容。从这个意义上说，影像和叙事、导演和摄影的关系是一种“共舞”的关系。需要认清这一点的不仅仅是摄影师，也包括导演。摄影师有责任为一部电影创造它应有的影像价值；而导演在这一点上不可能、也没有能力替代摄影来创作，正如他不能取代演员来表演一样。 导演泰伦斯·马力克(terrence malick)以《生命之树》夺得第64届戛纳电影节金棕榈大奖。影片诗意的、梦幻般的影像是摄影师艾曼努尔·卢贝兹基(emmanuel lubezki，《地心引力》《人类之子》)的出色贡献。这位导演在与摄影师合作时，为了让影片最大限度地发挥出影像的能量，常常为摄影师创造极致的工作条件。在拍摄影片《天堂之日》时，摄影师纳斯托·阿尔芒都(néstor almendros，《最后一班地铁》《克莱默夫妇》)希望外景拍摄尽量避免正常日光，以免蓝天白云让画面像风景名信片般乏味。于是整个摄制组每天仅在日出日落前后工作，只使用阿尔芒都所谓的“黄金时刻”(magic hour)。为了获得光学的、视觉上更自然的淡出淡入效果，他们使用现场收、放光圈的方式，这便要求演员的表演都要极其精确，而且后期剪辑不再有改变的余地。这部影片不但成为泰伦斯·马力克的代表作品之一，也因其独到的影像美学风格摘得第51届奥斯卡金像奖最佳摄影奖。 传统理论认为，影像创作必须基于叙事的理由。因此我常常看到摄影系的学生们在写论文，或进行影片分析时竭力地寻找影像创作的叙事支撑。比如景别与叙述的关系，色彩运用与人物情绪的关系……甚至有人发展出一系列诸如“色彩的象征系统”“光线的象征系统”等等，此类研究过于僵化和教条，也限制了影像创作的潜力。 导演奥利弗·斯通在拍摄《天生杀人狂》和《刺杀肯尼迪》时，在影片中用到包括超8毫米、16毫米、反转片、家庭录影带等多种摄影介质，其目的是否仅仅因为叙事需要？在《天生杀人狂》中伍迪·哈里森饰演的杀手在监狱中接受采访，杀手脸上不断变换着各种色彩光线，这一超常规的光线运用有人认为是为了在叙事上凸显人物复杂的心理。然而除去叙事理由，有没有可能也是为了创造一种视觉影像上的形式感？ 突破影像对叙事的服从框架可以从新的角度给中国电影影像带来更多的可能性。也许有人认为，影像为叙事服务并未限制摄影师的创作风格，有才华的摄影师照样能够在这一框架下完成杰出的影像创作。然而，摄影师将创造影像价值作为创作的根本，同时完成影片的叙述任务是一回事；在服务叙事的前提下为影像增加附加值是另一回事。要充分释放影像的能量和潜力，有必要打破“影像为叙事服务”的理论框架。电影创作者(包括摄影师和导演)在进行影像思考时，有必要打破叙事的局限，甚至打破电影的局限，将影像放置到一个更大的框架内来考察。 结语：视觉表达框架下重塑影像理论体系 上文提到过的卡明斯基在创作“奥马哈登陆”时显然借鉴了人们对早期新闻片的视觉印象(比如罗伯特·卡帕的战场照片)；罗德里格·普瑞托(rodrigo prieto，《华尔街之狼》《逃离德黑兰》)在拍摄《通天塔》时承认自己受平面摄影家南·戈尔丁(nan goldin)的影响，在为李安拍摄《色·戒》时则明显借鉴了老上海招贴画的视觉风格。 许多经典电影翻拍的版本，在叙事情节上没有过多的改变，但视觉风格迥然不同，这种影像的再造与当下观众的审美趋势和大众流行元素相互呼应。电影带给观众越来越新颖的视觉体验，其影像美学中融合了多种视觉因素，绘画、建筑、设计、广告、新闻、照相，甚至流行元素和时尚风潮也会被第一时间呈现和融合在影片中。电影影像从来不是一个孤立的范畴，它是整个视觉生活的一部分。在这种情况下，我们有必要在整个人类视觉表达的框架下重新审视电影影像的本质，用全新的视角来重构电影影像理论体系。 长期以来，我们对于影像讨论都是基于电影理论。我认为，在抛开传统的构图、色彩、光线、运动的“工具层面”理论之后，我们也许应该建立一套新的影像描述和评价系统。传统的话语体系也许没什么错误，但一个新的语境将有助于为大家的讨论注入活力。 数码摄影、手机，以及互联网的使用让影像表达重新成为人类的重要交流手段，视觉语言在今天呈现出新的意义。电影作为科技的产物，与科技发展带来的影响密不可分。数字工艺、后期处理、银幕、放映场所，都是影响影像视觉的因素。今天，我们完全能够借助其他领域的最新成果、研究方法，并将之应用于电影影像理论的研究。比如视觉理论、心理学、人类学，甚至生物学等其他相关学科的方法将有可能对电影影像研究产生影响。北京电影学院摄影系博士生程马志远利用大数据分析和视线追踪技术对观众视觉习惯进行的分析，让我们看到了电影影像研究开辟新路径的可能性。 中国电影的高速发展也许为新一轮的理论探讨提供了契机，毕竟大家都已经认识到要让今天的票房神话持续下去，仅靠单纯地向观众取宠和加大投入已远远不够。